Nachdem einige meiner bisherigen Reiseteilnehmer nicht locker ließen, habe ich mich diesen Sommer auf einen Scouting Trip in die Bretagne begeben.

Hintergrund war folgender: Der Reiseveranstalter für Fotoreisen, mit dem ich zusammenarbeite (World Geographic Excursions), hatte bis vor ein paar Jahren Fotoreisen in die Bretagne angeboten. Allerdings hatte sich im damaligen Konzept personell und logistisch einiges verändert, so dass wir die Reise so nicht mehr anbieten konnten. Nach meiner letzten Irland-Fotoreise jedoch sprachen mich die meisten der Teilnehmer an, ob ich nicht auch eine Reise in die Bretagne anbieten könnte – sie wären sofort dabei. Dann begann bei mir das große Grübeln…

Inzwischen könnte man eine Fotoreise komplett über das Internet und mit Recherche aus Büchern planen, ohne auch nur ein Mal dort gewesen zu sein. Aber das ist nicht mein Anspruch. Und da jetzt gerade ein Termin bei mir geplatzt war, nutzte ich also die Zeit, schnappte meine Frau und startete mit ihr auf einen Scouting Trip in die Bretagne.

Wir begannen in Rennes, der Hauptstadt der Bretagne – und waren gleich begeistert. Ein sehr entspanntes Städtchen mit unglaublich junger Bevölkerung (sehr viele Studenten), uralten Häuschen und einem lebendigen Nachtleben. Da es für uns jedoch nur als Startetappe geplant war, blieben wir nur einen Tag für einen ersten Eindruck und fuhren am nächsten Tag gleich weiter über den berühten Brocéliande und das hübsche Mittelalterstädtchen Dinan an die Nordküste, wo es fotografisch dann so richtig starten sollte.

Cap Fréhel

Die erste Location, die ich mir herausgesucht hatte, war das Cap Fréhel, westlich der Korsarenstadt Saint-Malo und der Seebäder um Dinard. Durch die Nähe zu diesen Touristenmagneten war es hier oben auch recht touristisch und recht voll, was die tolle Steilküste jedoch nicht unspektakulärer erscheinen ließ.

Côte de Granit Rose

Eine Region, die ich schon seit meiner Ausbildungszeit Anfang der 2000er Jahre auf meiner Bucketlist hatte, ist die Côte de Granit Rose, die Rosa Granit Küste im Norden der Bretagne. Und ich wurde vor Ort nicht enttäuscht! Hier findet man rötlichen Granit, der in die skurrilsten Formen geschliffen wurde und besonders zu Sonnenuntergang von innen heraus zu leuchten scheint. Jeder, der mich kennt oder schon mal auf meinen Fotoreisen dabei war, weiß, dass ich einen Soft Spot für Felsen habe… 🙂

Phare de Pontusval

Die bretonische Nordküste ist gespickt mit tollen Motiven. Einen besonders schönen Strand mit Leuchtturm und den allgegenwärtigen spannenden Felsformationen fanden wir in Pontusval:

Weiter durch das Finistère

Den westlichsten Teil der Bretagne nannten die Römer das Ende der Welt – Finis Terrae – woraus sich der heutige Name „Finistère“ für die Region herleitet. Hier findet man so viele Motive, dass ich hier nur eine kleine Auswahl vom Scouting Trip zusammenstelle – sonst wird dieser Blogbeitrag endlos… 🙂

Rundherum war der Scouting Trip in die Bretagne ein voller Erfolg und 2024 wird es im Sommer die erste Fotoreise mit mir dorthin geben! Die exakten Termine stehen noch nicht fest, da ich gerade noch am Route ausarbeiten bin, aber es wird vermutlich August werden. Schreibt mich bei Interesse gerne an oder hinterlasst hier einen Kommentar! Ich freue mich schon jetzt wieder drauf… 🙂

Martin

Location und Equipment

Als Location entschieden wir uns für das Jesuitenschloss oberhalb von Merzhausen bei Freiburg. Auf genügend Abstand achtend, fotografierte ich alles mit dem Fujinon 50-140/2.8 (affiliate link) an meiner Fujifilm X-T3 (affiliate link). Es war ein strahlend schöner Tag, so dass ich wie immer bei Außenterminen einen großen Diffusor und zwei Blitze mit dabei hatte – die normalerweise nötigen Sandsäcke konnten zu Hause bleiben, da ich einen Assistenten dabei hatte.

Herangehensweise

Wie fast immer startete ich mit einem möglichst einfachen Setup: Für die Modelle heißt das, dass ich ihnen einen möglichst bequemen Ort suche, am besten wo sie sich anlehnen oder setzen können – frei stehend ist anfangs fast immer schwer für ungeübte Modelle. Dann bat ich meinen Assisten, den großen Diffusor auf der Verlängerungsstange zwischen sie und die Sonne zu halten. So hatte ich ein angenehm weiches Licht auf Charlotte und Rainer und sie konnten sich sogar noch recht frei bewegen. Um die ganze Sache für uns alle noch einfach zu machen, fotografierte ich mit einer langen Brennweite und nahm einen relativ engen Ausschnitt von den beiden – dann ist egal, was die Hände, Füße und Klamotten außerhalb des Ausschnitts machen… 😉

Nach den ersten paar Schüssen vergrößerte ich dann den Ausschnitt etwas, so dass wir Ganzkörperaufnahmen fotografieren konnten:

2. Location

Diese Bilder im Kasten, wechselten wir die Location und ich bat die beiden, sich an einer Holzwand eines Schuppens aufzustellen. Mir gefiel die Holzstruktur und die Farbe passte gut zu Rainers Anzug. Vom Licht her blieben wir bei available light, also Sonnenschein mit dem großen Diffusor. Zur Erkläung: Mein Diffusor schluckt mit ca. 2 Blendenstufen viel Licht, weshalb der Unterschied von Abschattung zu direktem Sonnenlicht recht deutlich sichtbar ist, was mich hier aber nicht störte. Im Modebereich arbeiteten wir früher eher mit Diffusoren, die 1 1/3 Blendenstufen oder gar nur 2/3 Blendenstufen schluckten – was mir persönlich meist besser gefällt, besonders, wenn man Strukturen herausarbeiten möchte. Für den klassischen Portraitbereich tun es aber auch besagte 2 Blendenstufen.

Um noch eine weitere Variante zu haben, bat ich die zwei, ein paar Schritte weg von der Wand zu treten, so dass wir diese in Unschärfe tauchen konnten. Letztendlich blieb alles gleich, nur dass die Modelle, der Diffusor und ich sich ein paar Schritte von der Wand entfernten:

3. Location

Nach diesen sehr klassischen, stationären Portraits wollten wir aber auch noch etwas in Bewegung haben. Die beiden tanzen West Coast Swing, was sich hier natürlich hervorragend anbot! Nur war mir für diese Bewegung der Diffusor zu klein, so dass wir einen Schattenplatz suchen mussten, was nicht wirklich einfach war um die Mittagszeit. Ganz im Schatten inkl. eines schönen Hintergrundes war leider nichts zu finden. Also nahm ich ein kleines schattiges Stück Weg und griff zu meinem Godox AD200-Blitz (affiliate link), um die Schattenhelligkeit und die Lichtrichtung ein wenig besser zu steuern. Ich blitzte in eine 80cm große Oktabox, die meine Assistentin auf dem Stativ mit den beiden mitbewegte. Der Schattenwurf ist leicht unter Charlotte und Rainer zu erkennen…

Der Abschluss

Zum Abschluss wollte ich noch Rainers Schirm integrieren, da er fast die gleiche Farbe wie Charlottes Schuhe hatte und er super zu seinem Outfit passte. Daher als Kontrastprogramm zum obigen Bild, hier nochmals etwas sehr, sehr Statisches:

Das passte aber so gar nicht zum Charakter der beiden, daher kann ich unmöglich damit aufhören – das hier trifft die beiden viel besser: 🙂

Allen, die viel draußen oder sonst on location fotografieren, lege ich wirklich diese zwei Hilfsmittel ans Herz: Ein Diffusor (den man notfalls auch als Aufheller verwenden kann) und einen mobilen Blitz. Mit diesen zwei Werkzeugen kann man letztendlich mit jeder Lichtsituation umgehen (natürlich abhängig von der Personenzahl und der geplanten Bildaussage)…

Es war ein wirklich angenehmes, einfaches Shooting mit den beiden, vielen Dank!
Martin

P.S.: Wenn ihr weitere Hochzeitsportraits sehen möchtet, schaut doch mal ins Portfolio rein!

Wie ihr im Shooting mit Elias vielleicht schon gesehen habt, bewegte ich mich in sehr dunklen Tönen. Für die Bilder von beiden zusammen wollte ich aber eher helle Aufnahmen und entschloss mich daher für ein klassisches Studio-Setup: Den Hintergrund bildete eine weiße Papierrolle, so dass keine Ecke zwischen Boden und Wand entstand. Zum Schutz dieser und vor allem aber auch, um einen leichten Reflex in den Boden zu bekommen, legte ich eine weiße MDF-Platte (letztendlich eine Schrankrückwand aus dem Baumarkt) darauf und bat Elias und Emilia sich darauf zu positionieren. Den Hintergrund leuchtete ein an der Decke über den beiden montierter Blitz aus, das Hauptlicht bildete eine 90cm große Deep Octa, die leicht links der Kamera und über Kopfhöhe aufgebaut wurde. Um besonders den Kantenkontrast zu verstärken, stellte ich noch je einen Lichtschlucker links und rechts der Modelle auf, fertig! 🙂

Vorgehen

Nachdem ich alles aufgebaut habe, schalte ich nur den Blitz für den Hintergrund ein und messe die Blitzbelichtung direkt auf dem Hintergrund. Korrekt belichtet wird er also weiß sein und somit ist die hier gemessene Blende meine Maximalblende. Jetzt gehe ich dorthin, wo meine Modelle stehen werden und messe die Belichtung nochmals so, dass ich den Belichtungsmesser in Richtung Hintergrund ziele. Dadurch erhalte ich die Lichtmenge, die vom Hintergrund auf meine Modelle reflektiert wird. Danach ist das Hauptlicht dran: Mit dem Hauptlicht dürft ihr die für den Hintergrund gemessene Blende nicht überschreiten, da dieser sonst grau wird. Bsp.: Hintergrund Blende 8, von vorne Blende 11. Mit Blende 11 fotografiert, ist der Hintergrund eine Blendenstufe zu dunkel, also hellgrau. Eine kleinere Zahl als die für den Hintergrund dürft ihr gerne einstellen, denn weißer als weiß kann der Hintergrund ja nicht werden. ABER: Hier kommt jetzt unser zweiter gemessener Wert ins Spiel, das Gegenlicht auf den Modellen. Achtet darauf, dass das Gegenlicht nicht mehr als 1-2 Blenden heller ist, als euer Hauptlicht – meine Grenze sind 1 1/3 Blendenstufen. Habt ihr noch mehr Gegenlicht, resultiert das in überstrahlten Bilder, in denen Konturen verloren gehen und der Kontrast nachlässt. Verwirrt? Hier mal drei Beispielszenarien:

Beispielwerte

1.
Belichtungsmesser am Hintergrund in Richtung Hintergrundleuchte: Blende 11
Belichtungsmesser am Modell in Richtung Hintergrund: Blende 8
Belichtungsmesser am Modell in Richtung Hauptlicht: Blende 2.8
Resultat: Wir haben drei Blendenstufen mehr Licht von Hinten auf unserem Modell als von vorne (8 / 5.6 / 4 / 2.8) – Kontrastverlust, keine sauberen Konturen mehr.

2.
Belichtungsmesser am Hintergrund in Richtung Hintergrundleuchte: Blende 11
Belichtungsmesser am Modell in Richtung Hintergrund: Blende 8
Belichtungsmesser am Modell in Richtung Hauptlicht: Blende 16
Resultat: Wir haben eine Blendenstufe mehr Licht auf unserem Modell als auf dem Hintergrund (11 / 16) – der Hintergrund hat einen Grauschleier.

3.
Belichtungsmesser am Hintergrund in Richtung Hintergrundleuchte: Blende 11
Belichtungsmesser am Modell in Richtung Hintergrund: Blende 8
Belichtungsmesser am Modell in Richtung Hauptlicht: Blende 5.6
Resultat: Wir haben zwei Blendenstufen weniger Licht auf dem Modell als auf dem Hintergrund, dieser ist also strahlend weiß. Außerdem haben wir auf dem Modell eine Blendenstufe weniger Licht von vorn als von hinten (8 / 5.6) – wir behalten eine saubere Trennung des Modells vom Hintergrund.

Bei diesen Beispielen wird vermutlich klar, dass hier ein großes Studio wirklich hilft. Je weiter der Hintergrund vom Modell entfernt ist, desto weniger Probleme hat man in dieser Richtung. In kleinen Räumen sieht das schon anders aus…

Alternativen

Wem das alles zu viel „Gemesse“ ist, der kann natürlich auch einen einfacheren Weg einschlagen und vom Highkey zum Middlekey umschwenken. D.h. wir werden den Hintergrund nun nicht mehr rein weiß sondern grau darstellen. Beim Shooting mit Emilia und Elias habe ich genau das als zweites Setup getan: Ich habe lediglich das Licht für den Hintergrund ausgeschaltet und habe die Position des Hauptlichtes angepasst (etwas nach rechts verschoben), sonst wurde nichts verändert. Dabei heraus kamen folgende Bilder:

Hier spielt natürlich auch wieder die Größe des Studios eine wichtige Rolle. Je kleiner der Raum ist, desto mehr Licht wird von eurem Hauptlicht auf den Hintergrund fallen, mit anderen Worten, desto heller wird dieser werden. In kleinen Räumen kann man sich hierbei aber den Lichtabfall im Quadrat zu Nutze machen: Je näher ihr mit eurer Lichtquelle an euer Modell herangeht, desto schneller fällt auch die Lichtleistung ab. Bei den obigen Bildern war mir der Grauton des (eigentlich weißen) Hintergrundes einen Touch zu nahe am Hautton der beiden. Daher schob ich mein Hauptlicht einfach etwas näher an die beiden heran und schloss die Blende ein wenig, um den nun verringerten Abstand zu kompensieren.

Hier seht ihr das Setup für die Highkey-Bilder vom Anfang. Für die Middlekey-Bilder wurde wie gesagt lediglich der Blitz für den Hintergrund ausgeschaltet und das Hauptlicht nach rechts verschoben.

Übrigens: Für diese Bilder kam die Acros-Filmsimulation mit Grünfilter von FUJIFILM (in meiner X-T3) zum Einsatz. Die finale Raw-Konvertierung habe ich schließlich in Capture One durchgeführt…
Vielen Dank an die beiden, es ist immer sehr angenehm, mit euch zu arbeiten!
Martin

Ursprünglich startete ich diese Beitragsserie, in dem ich von meiner Fujifilm X100V berichtete und wie ich mit ihr vermehrt JPG fotografierte – besonders um die Zeit, die ich am Rechner verbringe zu verkürzen. Selbstverständlich fotografiere ich besonders beruflich natürlich immer noch primär RAW, da die Vorteile, die dieses Format (hauptsächlich 14bit vs 8bit und alles, was das mit sich bringt) mitsichbringt, nicht weggeredet werden können. Wenn man nun RAW fotografiert und dennoch Fujis Filmsimulationen nutzen möchte, kann man natürlich den Weg über das X RAW STUDIO gehen, was aber in meinen Augen zu wenig Funktionsumfang bietet und vor allem auch zu langsam für große Bildmengen ist.

Die zwei wohl bekanntesten Raw-Konverter am Markt sind Adobe Lightroom und Capture One. Mir ist klar, dass es noch viele andere gibt, die mit Sicherheit auch ihre Vorzüge haben (Darktable, Alienskin Xposure, Luminar…), da ich aber primär auf Erfahrung mit den beiden genannten zurückgreifen kann, werden diese hier behandelt.

Lightroom gibt es nur noch in einem Abo-Modell in zwei Versionen: Lightroom Classic CC und Lightrom CC. Classic CC ist die eigentliche Desktoplösung, CC war ursprünglich rein auf mobile Geräte ausgelegt, kann aber auch von einem stationären Rechner betrieben werden. Ich selbst arbeite rein mit der Classic CC Version, auf die ich mich auch hier beziehe. Capture One kann man entweder einmalig kaufen oder abonnieren. Dafür stehen diverse Versionen bereit: für alle Kameras, für Fujifilm, für Sony oder für Nikon. Wem der Preis hier zu teuer ist, findet auch (etwas versteckt) die kostenlosen Versionen Capture One Express for XXX (Fujifilm, Nikon oder Sony).

In Lightroom findet ihr im Entwickeln-Modul rechts oben den Reiter „Grundeinstellungen“ und in diesem ganz oben „Profil“. Klickt ihr nun auf die vier kleinen Rechtecke, öffnet sich der Profil-Browser, wo ihr unter „Kamera-Anpassung“ die Filmsimulationen eurer Kamera findet:

In Capture One hingegen ist es nicht ganz so einfach, euch in die „richtige Ecke“ zu schleusen, da man die Benutzeroberfläche sehr stark seinen eigenen Bedürfnissen nach anpassen kann. Sucht nach dem Werkzeug „Basismerkmale“, wo das ICC-Profil eurer Kamera und darunter unter „Kurven“ eure Filmsimulationen zu finden sind:

Die Filmsimulationen von Lightroom und Capture One sind nicht 100%ig identisch mit denen eurer Kamera, kommen aber sehr nahe ran. Zum Vergleich habe ich euch hier von fünf verschiedenen Filmsimulationen Beispielentwicklungen aus dem X RAW STUDIO, aus Lightroom und aus Capture One erstellt. Bei den Bildern ist NUR die Filmsimulation verändert worden, ansonsten sind die Bilder komplett unbearbeitet!

Astia

Velvia

ProNeg Std.

ProNeg Hi

Acros

Wie ihr sehen könnt, liegen alle Bilder sehr eng aneinander. Generell fällt auf, dass die Lightroom-Profile die Bilder einen Touch dunkler ausgeben als die anderen beiden Konverter. Besonders beim Astia-Vergleich wird noch deutlich, dass das in Capture One hinterlegte Profil zur Objektivkorrektur Verzeichnung und Vignettierung viel geringer korrigiert als das die anderen beiden tun. Alles in allem liefern die drei Konverter jedoch sehr ähnliche Ergebnisse, was die Filmsimulationen betrifft. Auf die „Und täglich grüßt das Murmeltier“-Diskussion, welcher Raw-Konverter die Details der Fujifilm X-Trans-Sensoren am besten handhabt, werde ich hier nicht eingehen – da sollte sich jeder seine eigene Meinung bilden.

Ich hoffe, die Blogreihe zu den Filmsimulationen von Fujifilm hat euch gefallen! Wenn ihr Fragen dazu haben solltet, postet diese gern in den Kommentaren oder über meine Social Media Kanäle. Viele Grüße und bleibt gesund
Martin

Solltet ihr meinem Rat aus dem vorhergegangenen Beitrag zu Herzen genommen und mit verschiedenen Einstellungen experimentiert haben, werdet ihr vermutlich festgestellt haben, dass das Finden der korrekten Werte ziemlich mühsam ist. Durch’s Menü kämpfen, Wert verändern, Testbild machen, mit vorhegender Version vergleichen, wieder zurück ins Menü, wieder verändern usw. Das führte bei mir dazu, dass ich lange diese Presets nicht wirklich nutzte, da mir das einfach zu umständlich war. Aber dann kam Fujifilm mit dem kostenlosen X RAW STUDIO um die Ecke… 🙂

Dieser RAW-Konverter von Fujifilm geht einen zumindest soweit ich weiß eigenen Weg: Er nutzt nicht die Prozessorleistung eures Computers, sondern die eurer Kamera! Daher funktioniert die Konvertierung auch nur, wenn eure Kamera per USB-Kabel an den Rechner angeschlossen ist. Zum einen bietet das natürlich den Vorteil, dass selbst ältere Computer die teilweise sehr großen Datenmengen heutiger Digitalkameras stemmen können und zum anderen, dass man die gleiche Entwicklungsqualität erhält, wie die kamerainternen JPGS. Aber schauen wir uns das Programm mal näher an. Herunterladen könnt ihr es euch unter folgendem Link: X RAW STUDIO.

Wie ihr oben sehen könnt, lässt sich die Benutzeroberfläche grob in 7 Felder untergliedern:

1. Eure Ordnerstruktur – hier könnt ihr zu euren Bilderordnern navigieren.
2. Das Histogram – ein in meinen Augen enorm hilfreiches Kontrollwerkzeug für die Belichtung.
3. Die Bildinformationen – von der Kamera aufgezeichnete Bildinformationen.
4. Das Hauptfenster – das jeweils von euch ausgewählte, zu bearbeitende Bild.
5. Der Profil-Tab – wohl das Herzstück des Programms.
6. Die Konvertierungseinstellungen – Einstellmöglichkeiten, wie in eurem Kameramenü.
7. Der Filmstreifen – um schnell durch die Bilder des gewählten Ordners zu scrollen.

Die für uns in diesem Beitrag relevanten Bereiche sind V und VI: Denn in V können wir auf bereits (auf der Kamera oder im Programm) vorhandene Profile zurückgreifen oder, mit den in VI getroffenen Einstellungen, neue Profile erstellen. Außerdem können wir bestimmen, welche Profile wir auf die Kamera laden.

Somit haben wir hier eine Schaltzentrale, in der wir in VI jede Einstellung verändern und sofort sehen können, was diese bewirkt – ein Riesenfortschritt zu dem „blinden“ Ausprobieren im Kameramenü! Wenn wir Einstellungen gefunden haben, die uns gefallen, können wir diese als neues Profil abspeichern, indem wir in V auf „speichern“ klicken und einen eindeutigen Namen vergeben. D.h. also, dass wir uns hier im Programm gemütlich zu Hause in aller Ruhe unsere Profile erstellen können – und zwar so viele wir wollen!

Möchtet wir das Profil erst einmal nur im Programm speichern, wählt ihr bei „Benutzerprofil“ den Button „Speichern“, woraufhin ein Dialog aufgeht, in dem ihr einen Namen dafür vergeben könnt. Wollt ihr hingegen das Profil direkt auf der Kamera speichern, wählt ihr „Speichern“ bei „Kameraprofil (Ben.Einst.)“. Geht ihr diesen Weg, erscheint folgendes Fenster:

Hier könnt ihr also nicht nur den Namen angeben, sondern auch, auf welchem Speicherplatz ihr euer neues Profil gespeichert haben möchtet. Hier möchte ich allerdings unbedingt vorher raten, eure bisher in der Kamera gespeicherten Profile vor dem Überschreiben zu sichern! Wie? Auch hier hilft das X Raw Studio: Klickt in V euer „Kameraprofil (Ben.Einst.)“ an, das ihr sichern möchtet. Daraufhin wird euer gewähltes Bild mit genau diesen Einstellungen angezeigt. Diese Einstellungen könnt ihr nun mit einem Klick in V auf „Benutzerprofil – Speichern“ wie oben beschrieben speichern. Habt ihr alle eure kamerainternen Benutzereinstellungen (C1-C7) also so gespeichert, könnt ihr eure Wunschprofile frei hin- und herschieben.

Wenn ihr erstmal nicht wisst, wie und wo ihr anfangen sollt, könnt findet ihr im Netz viele sehr umfangreiche Websiten mit fertigen „Rezepten“, die ihr als Startpunkt übernehmen könnt. Manche werden euch gefallen, andere wiederum werden überhaupt nicht zu eurem Stil zu fotografieren passen. Experimentiert, entwickelt diese weiter und passt sie euren Vorstellungen an! Eine Seite mit sehr vielen solcher Rezepte dafür z.B. ist FUJI X WEEKLY, aber es gibt wirklich unendlich viele – jenachdem, welcher Stil euch gefällt.

Im nächsten Beitrag dazu werde ich euch Möglichkeiten vorstellen, wie ihr solche Filmsimulationen auch innerhalb anderer Raw-Konverter wie Adobe Lightroom oder Capture One nutzen könnt. Bis dahin: frohes Experimentieren und bleibt gesund
Martin

Fujifilm bietet in den Untiefen des Menüs diverse Eingriffsmöglichkeiten, die ich hier vorstellen möchte:
Gehen wir ins Menü, landen wir gleich an erster Stelle ganz obem im IQ- also im Image-Quality-Menü und hier sind gleich alle Einstellungen zu finden, wie wir die hauseigenen Filmsimulationen verändern können. Für mich Entscheidende hieran ist allerdings nicht unbedingt nur, dass wir hier so viel nach unserem eigenen Gusto anpassen können, sondern vielmehr, dass wir diese Veränderungen dann in Benutzerprofilen abspeichern können! Hierfür geht man am einfachsten zum untersten Punkt des IQ-Menüs (BEN.EINST. BEARBEITEN/SPEICHER) und nimmt sich dort einen der sieben Speicherplätze (C1 – C7) vor. Unten seht ihr mein C7-Profil der X-T3 (affiliate link), welches ich „Acros+“ genannt habe:

Aber gehen wir die Einstellungen mal der Reihe nach durch:

• „Dynamikbereich“ ist eine Kontrasteinstellung, die man mit einer Ausgleichsentwicklung im analogen S/W-Bereich vergleichen kann: Wenn ich ein sehr kontrastreiches Motiv fotografierte, habe ich lieber etwas überbelichtet und dafür die Entwicklung des analogen Films verkürzt, was in einem flacheren/geringeren Kontrast resultierte. Somit konnte ich den Dynamikumfang des Films erweitern. Fotografierte man hingegen ein sehr flaues Motiv, konnte es geschickter sein, eher zu gering zu belichten und dafür die Entwicklung zu „pushen“, d.h. zu verlängern, was wiederum zu einer Aufsteilung des Kontrastes führte. Erhöhen wir also hier unseren Dynamikbereich auf DR200 (ab ISO320) oder DR400 (ab ISO640), können wir damit den Dynamikumfang des JPGs erweitern. Kontrastarme Motive können bei erhöhten Einstellungen jedoch schnell recht flau aussehen. Im Prinzip wird hier ein Bild unterbelichtet, um die Zeichnung in den Lichtern zu bewahren und im Gegenzug werden die Schattenpartien aufgehellt, was zum erweiterten Dynamikumfang führt – natürlich mit etwas mehr Rauschen in den dunklen Bildbereichen.
  → Hier rate ich, sich für eine Einstellung pro Speicherplatz zu entscheiden. Nur so kann man (oder zumindest ich) die Kontrastwiedergabe und den maximalen Belichtungsumfang abschätzen / prävisualisieren.
• „D-Bereichspriorität“ ist eine ähnliche Einstellung, die sich ebenfalls auf den Dynamikumfang bezieht. Hier wird allerdings die Kontrastkurve / Gradationskurve generell verändert. Dies führt u.a. dann auch dazu, dass die Werte für Lichter und Schatten, die wir weiter unten angeben können, überschrieben würden.
  → Diese Einstellung habe immer deaktiviert, da ich ansonsten keinerlei Chance mehr habe, das Bild im Vorfeld einzuschätzen.
• Die „Filmsimulation“ erlaubt uns natürlich eine der vorgefertigten Filmsimulationen von Fujifilm als Basis zu nutzen.
  → Die vorgefertigten Filmsimulationen habe ich in diesem Blogbeitrag vorgestellt.
• „S&W-Einst. A/B (Warm/Kalt)“ erscheint nur, wenn ihr euch für eine schwarzweiße Filmsimulation, also der Acros- oder Schwarzweißvarianten entscheidet. Sie erlaubt uns, die Tönung der monochromen Filmsimulation einzustellen und somit den Bildern leicht wärmere oder kühlere Grautöne zuzuweisen.
  → Diese Einstellung ist reine Geschmackssache, kann den Bildern aber auch das besondere Etwas geben.
• Der „Körnungseffekt“ simuliert analoges Filmkorn. Bei früheren Modellen des X-Systems fand ich diese Einstellung zu grob und habe das Korn lieber später am Rechner hinzugefügt. Seit den aktuellen Kameras (z.B. X-T4, X100V etc.) kann man hier aber etwas feiner Einstellen, in dem man die Rauheit und die Größe des Filmkorns separat einstellen kann.
  → Wer aber volle Kontrolle über das Aussehen und die Verteilung von Filmkorn wünscht, sollte derzeit wohl noch immer zur Nachbearbeitung am Rechner greifen.
• Der „Farbe Chrome-Effekt“ verstärkt die Farben in den dunklen Bildbereichen; es gibt drei Optionen: stark, schwach und aus. Bei aktuellen Kameras gibt es inzwischen noch den „Farbe Chrome FX Blau“, der natürlich rein auf die blauen Farbtöne abzielt.
  → Auch hier dreht es sich um eure eigene Vorlieben, wie farbig ihr eure Bilder möchtet.
• „Weißabgleich“ erlaubt uns natürlich, die Farbstimmung unserer Bilder zu beeinflussen, die primär von der Hauptlichtquelle der zu fotografierenden Szene abhängt. Fujifilm bietet neben der „normalen“ Kelvin-Einstellung (bzw. den WB-Presets) noch das Koordinatensystem im zweiten Schritt, in dem man die Farbstimmung abschließend noch auf der Grün-Rot- und der Gelb-Blau-Achse verschieben kann, was ein unglaublich gutes Finetuning der Bildstimmung erlaubt!
  → Nehmt euch unbedingt die Zeit und experimentiert mit den Farbeisntellungen, besonders der im Koordinatensystem! Es gibt kaum bessere Möglichkeiten, seinen eigenen Farbstil in die Bilder einfließen zu lassen.

• „Ton-Lichter“ bzw. „Ton-Schatten“ erlauben den Eingriff in die Kontrastkurve der Filmsimulationen. Hier kann ich z.B. den Kontrast in den Lichtern etwas verringern und/oder den Kontrast in den Schatten etwas erhöhen. Bei den aktuellen Kameras (X-T4, X100V etc.) sind diese beiden Punkte als „Tonkurve“ zusammengefasst.
  → Besonders im S/W-Bereich sind mir persönlich die meisten vorgefertigten S/W-Umsetzungen zu flau, so dass ich hier immer die Lichter noch etwas heller und die Schatten noch etwas dunkler mache.
• „Farbe“ – im obigen Beispiel ausgegraut, da ich eine monochrome Filmsimulation gewählt habe, ist eine übliche Sättigungseinstellung, also wie knallig die Farben generell wiedergegeben werden sollen.
  → Hier kommt wieder der eigene Geschmack ins Spiel: eher knallig/Quietschbonbon oder reduziert/ruhige Farbgebung?
• „Schärfe“ ist wie jede digitale Schärfungsfunktion mit Vorsicht zu betrachten. Ein digitales Schärfen macht nichts anderes, als an Kontrastkanten die dunkle Seite noch weiter abzudunklen und die helle Seite der Kontur weiter aufzuhellen.
  → Ein zu hoher Wert sieht schnell schlimm aus und kann selbst in der Nachbearbeitung praktisch nicht mehr rückgängig gemacht werden. Wenn überhaupt, dann empfehle ich hier nur sehr geringe Werte.
• „Rauschreduktion“ reduziert das besonders in dunklen Bildbereichen auftretende Bildrauschen, was allerdings auch zu einem Verlust an Details im Bild führt.
  → Da mit persönlich heutige Digitalfotos oft schon zu glatt, zu künstlich aussehen, greife ich sogar meist zu negativen Werten.
• Zuletzt erlaubt uns die Einstellung „Benutzerdef. Name eingeben“ inzwischen auch die Benennung von C1 bis C7, was eine wirkliche Verbesserung zu älteren Fujikameras darstellt.
• „Reset“ setzt die oben gemachten Einstellungen alle wieder auf Werkseinstellungen zurück.

All diese Einstellungen erlauben ein hohes Maß an Feinabstimmung, so dass man wirklich den JPGs aus der Kamera seinen eigenen „Look“ verleihen kann! Aus diesem Grund rate ich euch unbedingt, euch mit den Einstellungen eurer Fujifilm X-Kamera vertraut zu machen! Hat man sich einmal damit auseinander gesetzt und seine Einstellungen gefunden, erlaubt das wirklich, länger am Fotografieren und weniger vor dem Rechner zu sein… 🙂

Natürlich sind die „Ratschläge“, die ich zu den jeweiligen Punkten nenne, meine rein persönliche Meinung, die zu meiner Art zu fotografieren passt. D.h. sie müssen nicht unbedingt zu eurem Stil passen, es sind rein Vorschläge von mir.

Im nächsten Beitrag wird es mit der Organisation und dem Überblick über die eigenen Einstellungen weitergehen. Schaut also wieder rein!
Martin

Fujifilm war ja früher eher als Filmhersteller bekannt – Fuji Velvia, Astia, Provia, Fujicolor X-Tra etc. waren Namen, die vielen (Hobby-)Fotografen geläufig waren. Somit liegt es natürlich nahe, dass Fuji diese Erfahrung auch in die digitale Welt überträgt! Für die Entwicklung der digitalen Filmsimulation des besonders bei Landschaftsfotografen beliebten Velvia setzte Fujifilm den gleichen Ingenieur ein, der bereits für die Farbeigenschaften des alten Diafilms verantwortlich war.

In den Kameras des X-Systems von Fuji sind seit der ersten Generation diverse dieser Filmsimulationen verbaut, die seit dem aber auch stetig erweitert wurden, der aktuelle Stand (12/2020) ist folgender: (alle Beispielbilder sind direkt aus der Kamera und nicht extern bearbeitet, lediglich verkleinert)

• Provia (Standard)

  Genau wie der analoge Diafilm aus dem Profisegment eignet sich diese Einstellung für eine große Bandbreite an Motiven, Schärfe und Kontrast sind moderat, die Farbwiedergabe realistisch.

  

• Velvia

  Der wohl berühmteste und besonders bei Landschaftsfotografen hochverehrte Diafilm, dessen Chrakteristika recht gut in die digitale Version überführt wurden: Ein hoher Kontrast und sehr hohe Farbsättigung, bei der die Gelbtöne etwas in Richtung Orange rücken und die Blautöne stark gesättigt leicht in Richtung Magenta rutschen. Daher für Landschafts- und Naturaufnahmen hervorragend geeignet, für Portraits wegen der hohen Farbsättigung eher weniger zu empfehlen.

  

• Astia (Soft)

  Ebenfalls vom analogen gleichnamigen Diafilm hervorgegangen, bietet der Astia genau wie der Velvia eine hohe Farbsättigung, aber viel weicheren Kontrast. Hauttöne rutschen minimal in Richtung Gelb und verlieren leicht an Sättigung, was zu enorm natürlichen (und von mir präferierten) Hauttönen führt.

  

• Classic Chrome

  Eine Filmsimulation, die kein analoges Pendant hat. Hier hat Fuji aber versucht, den Fotoreportage-Stil, der oft in Magazinen Verwendung fand/findet, nachzuahmen. Daraus resultieren leicht entsättigte Farben, besonders in den Rot- und Grüntönen, und mehr Kontrast in den Schatten.

  

• Monochrom

  Als das X-System auf den Markt kam, war dies die einzige Schwarzweiß-Umsetzung, die Fuji anbot. Zusätzlich kann hier noch die Simulation von Farbfiltern gewählt werden. Bei den neueren Modellen der X-Serie kam allerdings noch die digitale Variante des Acros-Schwarzweißfilms mit dazu, zu dem ich heute eher rate – dazu aber gleich mehr.

  

• Acros

  Der Acros ist dem Fuji Neopan Acros nachempfunden und ist in meinen Augen der „alten“ Monochrom-Umsetzung weit überlegen! Denn er entsättigt nicht nur alle Farben gleichmäßig, sondern stellt einige Farben in helleren Grautönen dar als andere – genau wie ein analoger S/W-Film eben! Ein weiterer interessanter Punkt ist der Körnungsalgorithmus des Acros, der für eine sehr analog wirkende Rauschverteilung sorgt. Auch hier können Gelb-, Rot- oder Grünfilter zusätzlich simuliert werden.

  

• Sepia

  Um die S/W-Simulationen abzuhaken, muss ich diese auch erwähnen – genutzt habe sie allerdings noch nie und werde es auch nie tun! Einfach eine orange/braune Schwarzweißumsetzung, die für mich viel zu stark ausfällt. Wer diesen Look möchte, kann auch bei den neueren Kameras die neuen Tonungseinstellungen verwenden, um das S/W leicht kühler oder wärmer zu machen.

• Pro Neg.Std

  Diese Simulation lehnt sich an die Eigenschaften des NS160 aus dem Profisegment von Fujifilm an, der besonders bei Portraitfotografen sehr beliebt war. Sein enorm weicher Kontrast führte bei weichem Licht draußen oft zu sehr flach aussehenden Bildern, im Studio hingegen, wo man den Beleuchtungskontrast fein steuern kann, resultierte dies oft in enorm weichen, angenehmen Hauttönen. Außerdem hatte dieser Film eine (meines Wissens) einzigartige vierte Emulsionsschicht, die für cyan empfindlich war und für eine hervorragende Kontrolle der Hauttöne sorgte. Für meinen persönlichen Geschmack jedoch ist diese Filmsimulation für die meisten Situationen zu flach im Kontrast und die Farben erscheinen mir durchweg zu wenig gesättigt.

  

• Pro Neg.Hi

  Ähnlich dem Pro Neg.Std. ist diese Simulation näher an der realen Sättigung der Farben und vor allem ist sie kontrastreicher, was sich primär in gesättigteren Schatten zeigt. Laut Fujifilm ist Pro Neg.Hi besonders für Fotografen geeignet, denen exakte Hauttöne wichtig sind, die aber nicht die volle Kontrolle über den Beleuchtungskontrast haben – wie z.B. Hochzeits- oder Streetfotografen. Für mich hat sich diese Simulation als Standard für eine natürliche Farbwiedergabe etabliert und damit den Astia, der zuvor mein Favorit war, abgelöst.

  

• Eterna

  Dieser Film dürfte den meisten Analogfotografen unbekannt sein, im Videobereich hingegen ist er eine feste Größe und kam viel in Kinoproduktionen zum Einsatz! Durch seinen sehr weichen Kontrast glänzt er in den neueren Kameras der X-Serie mit einem Dynamikumfang von ca. 12 Blendenstufen und einer geringen Sättigung. Somit ist der Eterna die einzige Filmsimulation, die nicht als fertiges Endprodukt gedacht ist, sondern eher zur Erzeugung eines möglichst flachen Ausgangsmaterials zur Weiterverarbeitung.

  

• Klassisch Schwarz / Classic Negative

  Ebenfalls eine sehr neue Filmsimulation, der Fujifilm zwar keinen expliziten Film zugeordnet hat, die sich aber angeblich am Look der Superia100-Filme orientiert – für mich persönlich wirken die Aufnahmen jedoch eher wie Bilder aus den 70er/80er Jahren als nach dem 1998 eingeführten Superia. Durch ihren kontrastreichen Look mit leicht in Richtung Rot verschobenen Farben produziert sie einen schönen Vintage Look. Im Vergleich zu den Pro Neg Simulationen erzeugt Klassisch Schwarz zwar weniger gesättigtere Farben, dafür allerdings stärkeren Kontrast.

  

• Eterna Bleach Bypass

  Die neuste Filmsimulation der X-Serie (Stand November 2020) bezieht sich wieder auf einen analogen Film, allerdings in Verbindung mit einem Dunkelkammerprozess: Dabei wird das Silber der Filmemulsion entfernt und nur die gefärbten Tinten bleiben zurück. Auf Englisch wird dieser Prozess „bleaching“ genannt. Verkürzt oder überbspringt man diesen Schritt völlig, erhält man Bilder die an sehr kontrastreiche Schwarzweißaufnahmen erinnern, die allerdings noch einen Touch Farbe haben. Wenn man in der Dunkelkammer den Film so vergrößert hat, dass die Mitteltöne bewahrt blieben, resultierte das in ausgefressenen Lichtern und sehr dunklen Schatten, weshalb man den Film von Anfang an oft schon eine Blende unterbelichtete, wenn man diesen Prozess anstrebte. Da diese Filmsimulation derzeit nur in der GFX100 und der X-T4 verfügbar ist, kann ich leider nichts aus erster Hand dazu sagen, allerdings trifft der Look generell nicht so ganz meinen Geschmack. Am ehesten könnte ich ihn mir bei sehr gesättigten Motiven vorstellen, die mir ansonsten zu bunt wären.

Wenn ihr mehr über die Filmsimulationen von Fujifilm erfahren möchtet und genauer wissen wollt, wie sich die Farben der jeweiligen Filmsimulationen verändern, findet ihr bei ImagingResource.com (englisch) einen sehr informativ geschriebenen Blog-Artikel.

Im nächsten Beitrag zu den Filmsimulationen von Fujifilm wird es über Möglichkeiten gehen, wie ihr die vorgefertigten Filmsimulationen von Fujifilm nach eurem Gusto verändern und somit euren Bildern euren eigenen Stil geben könnt. Schaut also wieder rein!

Viele Grüße und bleibt gesund
Martin

So kam ich über die liebe Emilia (die ihr auch hier im Portrait-Projekt finden könnt) an Elias, ihren Freund. Netterweise war auch er sofort dabei und wir vereinbarten einen Termin.

Elias hat ein sehr markantes Gesicht, weshalb mir schnell klar war, dass ich bei ihm etwas in die dunklere Richtung gehen wollte, mit deutlichen Schatten, die seine Züge plastisch hervorheben. Die meisten Portraits des Projektes habe ich on location fotografiert, aber hier bot es sich an, einfach ins Studio zu gehen, da ich sehr reduzierte Bilder haben wollte.

Wir begannen mit klassischen head shots: dunkler Hintergrund, dunkles T-Shirt, Haupt- und Fülllicht, fertig. Zuerst setzte ich das Fülllicht, womit ich die Schattenhelligkeit festlegte. Dafür richtete ich einen Blitzkopf einfach an die Wand hinter mir und füllte somit den kompletten Raum mit Licht. Dann machte ich Testschüsse um herauszufinden, bei welcher Blende ich meine gewünschte Schattenhelligkeit erhalten würde. Als dies fertig war, kam das Hauptlicht: Eine 85cm Deep Octa Box, leicht links der Kamera. Um einen deutlicheren Kantenkontrast zu erhalten, platzierte ich noch zwei Lichtschlucker direkt außerhalb des Bildfeldes neben Elias.

Ich fotografierte hier mit meiner Fujifilm X-T3 und dem hervorragenden Fujinon XF 40-150/2.8, was dem klassischen 70-200er (bzw. 60-210er) am Vollformat entspricht, bei 150mm Brennweite. Wir variierten ein wenig die Posen und Blickrichtungen, wobei wir das Licht aber nicht großartig veränderten.

Und so sah das Lichtsetup aus:

Elias treibt viel Sport und das wollte ich anschließend auch noch mit die Bilder einfließen lassen. Daher bat ich ihn, das T-Shirt auszuziehen und setzte anschließend ein Licht, das für mich eher ungewöhnlich ist: Eine eher „fleckige“ Ausleuchtung mit vielen Hell-Dunkel-Kontrasten, die aber für diese Art von Bild hervorragend passte. Hierfür setzte ich ein hartes Licht von über/leicht hinter ihm, das die Brust- und Bauchmuskeln gut hervorhob, sein Gesicht jedoch komplett in Schatten legte. Das war mein Hauptlicht. Nun musste ich nur noch sein Gesicht ausleuchten, wofür ich einen Fresnel-Spot mit 10° Leuchtwinkel wählte, um das Licht wirklich nur auf sein Gesicht zu begrenzen und die harten Schattenverläufe des Körpers beizubehalten.

Aber um noch eine gängigere Alternative zu dieser doch recht extremen und bestimmt auch kontrovers diskutierten Ausleuchtung zu haben, setzte ich noch ein drittes Lichtsetup. Dafür setzte ich das Hauptlicht in einem einfachen Normalreflektor sehr hoch und leicht rechts der Kamera und füllte den Raum hinter mir wieder mit einem von Elias weggedrehten Blitz als Fülllicht genauso wie beim ersten Setup:

Und das kam dabei heraus:

Die bisherigen Bilder des Portrait-Projektes findet ihr in der dazu gehörigen Galerie, die ich ständig aktualisiere: Portrait-Projekt 2020

Vielen Dank an Elias, es hat Spaß gemacht!
Martin

Benutztes Equipment (affiliate links):
Fujifilm X-T3
Fujinon XF 50-140/2.8
Godox AD200
Godox XPro-F
Manfrotto Nano Plus Lichtstativ
Schirmneiger

Wieder beschränkte ich mich auf nur einen Blitz mit nur einem Lichtformer. Ich wollte ein sehr weiches Licht (also einen weichen Übergang von korrektem Tonwert zum Schatten), das ich aber dennoch einigermaßen richten konnte, weshalb ich zu einem 2m-Parabolschirm griff. Dieser hat eine flache Baumform, also nicht zu vergleichen mit den bekannten Paras von Profoto, Hensel, Bron etc., dafür kostet er aber auch nur ungefär 1/10 von dem, was die bekannten kosten würden… Und bleibt dabei auch noch gut transportabel!

Tülay und ich kennen uns schon sehr lange, aber dennoch war sie etwas aufgeregt vor dem Shooting. Besonders in solchen Fällen ist es ratsam, ein entspanntes, natürlich Posing zu wählen – frei stehend vor einem weißen Hintergrund und sonst nichts wäre da genau die falsche Herangehensweise. Gibt man dem Modell etwas zu tun, etwas, woran man sich anlehnen kann, den Händen etwas zu tun o.ä. beruhigt/beschäftigt es das Modell und nimmt den Druck aus der Situation.

Hier ist schon gut zu erkennen, wie weich der Schattenverlauf durch die sehr große Lichtquelle ist. Die Wand rechts der Kamera (außerhalb des Bildfeldes) und die Stehlampe rechts hinter Tülay sorgten für die deutlich sichtbare Aufhellung von rechts. So sah der Aufbau aus:

Ich fotografierte wieder mit meiner Fuji X-T3 und dem, sich langsam zu meiner Lieblingsbrennweite mausernden, Fujinon 35/1.4, was einem Normalobjektiv am Vollformat/Kleinbildfilm entspricht. Die Brennweite erzeugt Bilder, die räumlich sehr nah an dem sind, was wir mit dem bloßen Auge wahrnehmen und war somit sehr gut geeignet für ein solch natürliches Setting. Der Schirm füllte den Raum genug mit Licht, so dass ich mit 1/80s bei Blende 1.4 und ISO 160 ein korrekt belichtetes Bild mit guter Schattenzeichnung erhielt (für diejenigen von euch, die sich für das verwendete Equipment interessieren: Ihr findet die Equipment-Liste wieder am Ende des Beitrages). Die Pose variierten wir dann noch ein wenig, bewegten uns aber nicht von der Couch weg, so musste nicht groß umgebaut werden.

Aber dennoch wollte ich ein gänzlich anderes Bild und bat Tülay, sich nochmals aufzusetzen und genau zum Blitz zu schauen. So saß sie sehr nah am Lichtformer, was zu einem butterweichen Licht führte, das Fensterlicht ähnelt – rein der Lichtreflex in ihren Augen zeigt eindeutig den Lichtformer. Bei solch großen Lichtformern kann man problemlos direkt davor stehen, das Licht fließt um den Fotografen herum:

So entstanden doch ein paar unterschiedliche Bilder, ohne dass der Lichtaufbau auch nur ein einziges Mal verändert werden musste. Kept it simple – wieder einmal… 🙂 Vielen Dank an Tülay, dass sie mir Modell stand!

Die bisherigen Bilder des Portrait-Projektes findet ihr in der dazu gehörigen Galerie, die ich ständig aktualisiere: Portrait-Projekt 2020

Viele Grüße
Martin

Benutztes Equipment (affiliate links):
Fujifilm X-T3
Fujinon XF 35/1.4
Godox AD200
Godox XPro-F
Manfrotto Nano Plus Lichtstativ
Schirmneiger
2m Parabol-Blitzschirm