Die Basis für gute Bildgestaltung

Häufig höre ich von Workshopteilnehmer*innen, dass sie Probleme haben, ein Motiv überhaupt zu erkennen. Aussagen wie „das hätte ich gar nicht gesehen“ oder ähnliche, fallen auch recht häufig. Ich denke, das rührt oft daher, dass wir in unserer Kindheit lernen, figürlich zu sehen: ein Haus ist ein Haus, ein Bus ein Bus. Dass aber die meisten Häuser aus einer Vielzahl an Linien und sich daraus ergebenden Flächen aufgebaut sind und dass ein Reisebuss trotz seiner rechteckigen Form (von der Seite) auch mindestens noch zwei Kreise zeigt (die Räder), das sehen wir oft nicht. Da wir gelernt haben, das Ganze zu sehen.

In den Skizzen oben kann man dies gut erkennen. Während wir im linken Bild klar ein Haus und einen Bus (in Form einer Kinderzeichnung) erkennen, nehmen wir im rechten Bild verstärkt die einzelnen Linien im Haus bzw. durch das Entfernen der Umrandung die einzelnen Bildelemente des Busses wahr.

Wollen wir also in der Bildgestaltung einen Schritt weiter kommen, müssen wir üben, dieses figürliche Sehen abzulegen und die Dinge vor uns zu dekonstruieren. Dafür bedarf es nicht einmal einer Kamera, sondern kann ganz einfach auf dem Weg zur Arbeit, beim Spazierengehen und sogar beim Schauen eines Kinofilms geübt werden:

• Wo sehe ich Linien? 
• Bestehen diese wirklich oder sind es vielleicht nur gedachte Linien zwischen zwei Punkten?
• In welche Richtung verlaufen diese Linien? 
• Schneiden sie sich irgendwo, so dass sich abgeschlossene Flächen ergeben? 
• Welche Form haben diese Flächen?

Nimmt man wirklich die Kamera zur Hand, kann man sich ganz einfache Gestaltungsaufgaben selber stellen. In meinen Gestaltungskursen habe ich die Teilnehmer in der Regel zunächst mit fünf Aufgabenstellungen konfrontiert, zu denen sie passende Aufnahmen anfertigen sollten:

1. Fotografiere zwei Bilder mit je nur einem einzigen markanten Bildpunkt.
2. Fotografiere zwei Bilder mit je zwei markanten Bildpunkten.
3. Fotografiere zwei Bilder mit je einer einzigen Linie.
4. Fotografiere zwei Bilder mit je mehreren Linien.
5. Fotografiere zwei Bilder mit Chaos.

Diese Aufgaben führen normalerweise zu einem großen Fragezeichen in den Gesichtern meiner Kursteilnehmer*innen. Und auch ich kann mich gut an dieses „Hä?“-Gefühl erinnern, als mir solche Aufgaben während meiner Ausbildung zum ersten Mal gestellt wurden. Also keine Sorge, eine gewisse Planlosigkeit am Anfang ist da ganz normal… 🙂

Immer wieder kamen dann einzelne Teilnehmer*innen vor dem zweiten Kursteil auf mich zu und meinten „na danke, Martin, jetzt sehe ich überall nur noch Punkte und Linien…“ – und das ist genau das, wozu diese Aufgaben führen sollten!

Grundgestaltungselemente

Ein Punkt

Bilder mit einem markanten Bildpunkt – andere sprechen hier auch von Akzent oder Hero – helfen dem Betrachter, das Bild sehr schnell zu erfassen und verstehen (siehe Figur-Grund-Beziehung). Wie groß dieser Punkt im Bild sein darf, ist nicht genauer festgelegt. Wichtig ist nur, dass wir dem Betrachter einen Anker bieten, an dem er sich bei seiner Wanderung durch das Bildfeld festhalten kann. Findet er keinen solchen „hook“, verlässt er das Bild sehr schnell wieder.

Solch ein bildwichtiger Punkt kann z.B. auf den Schnittpunkten von Gestaltungslinien eines der Gestaltungsraster positioniert werden. Wo er genau sitzt, hat aber auch großen Einfluss auf die Bildwirkung: Sitzt er links im Bild, führt das in unserem, von links nach rechts lesenden Kulturkreis häufig dazu, dass der Betrachter nur bis zum Bildpunkt kommt und den rechten Teil des Bildes gar nicht mehr wahrnimmt. Daher rate ich hier dazu, anfangs bildwichtige Punkte zunächst rechts im Bild zu positionieren (es gibt aber durchaus auch Bilder, die mit einem links sitzenden Akzent funktionieren). Sitzt er im unteren Teil des Bildes, wirkt er oft nahe, schwer und beständig, während er im oberen Teil eher luftig leicht und weiter entfernt wirkt. Setzt an ihn genau in die Bildmitte, kann das Bild äußerst ruhig wirken – allerdings nur, wenn der komplette Bildaufbau exakt symmetrisch aufgebaut ist. Ansonsten kommt es sehr schnell zu Bildern, in denen eine Seite mehr „optisches Gewicht“ hat und die Balance des Bildes verloren geht. Aus einem ähnlichen Grund sollte in Bildern mit nur einem markanten Bildpunkt eben dieser nicht zu nah am Rand positioniert werden. Sonst entsteht schnell wieder ein Ungleichgewicht und die Gefahr, dass der Betrachter das Bild schnell wieder verlässt und/oder einen Großteil des Bildes gar nicht wahrnimmt.

Zwei Punkte

Haben wir hingegen zwei Punkte (Motive, Akzente, Heroes) in unserem Bild, entsteht eine gedachte Linie zwischen diesen beiden Punkten, weil unsere Augen zwischen diesen auf einer Geraden hin- und herwandern. Diese kann horizontal, vertikal oder auch schräg verlaufen – jeweils mit unterschiedlichen Wirkungen: Horizontale Linien wirken oft ruhig, beständig, stabil, Senkrechte werden meist dynamischer, strebsam oder mächtig empfunden. Vertikale Linien können auch als „Schranke“ wirken, besonders wenn sie im linken Bildteil stehen – genau wie der Positionierung von einem markanten Bildpunkt. Schräge Linien hingegen unterscheiden sich stark, ob sie von links oben nach rechts unten oder umgekehrt verlaufen. Von links nach rechts steigende Linien werden meist als positiv, aufsteigend betrachtet, während von links nach rechts fallend eher negativ oder absteigend bezeichnet werden.

Während wir bei nur einem Akzent diesen nicht zu weit am Bildrand positionieren sollten, kann dies mit zweien jedoch funktionieren, wenn diese gleichnah am Bildrand sitzen – dann bleibt das Gleichgewicht erhalten.

Drei oder mehr Punkte

Je mehr Punkte wir im Bild haben, desto komplexer wird die Gestaltung, wie wir die Elemente wahrnehmen und welche Wirkung diese auf uns haben. Liegen drei oder mehr Punkte in einer Geraden, wird diese als Linie wahrgenommen. Hier gilt wie bereits bei den zwei Punkten, dass Schrägen immer ein Bild dynamischer gestalten. Rutscht ein Punkt aus dieser Gerade heraus, können diese Punkte je nach Entfernung und Häufigkeit als Linie mit Ecke oder gar als Dreieck wahrgenommen werden, da dann unser Auge zwischen diesen drei Punkten hin- und herspringt.

Linien und Formen

Haben wir mehrere Linien im Bild, die sich und/oder die Bildränder schneiden, entstehen Formen – abgeschlossene Flächen. Wenn wir an den Beitrag zu den Gestaltgesetzen denken, kommt hier das Gesetz der Guten Gestalt (anderer Name: Gesetz der Prägnanz) zum Tragen: Unsere Wahrnehmung zerlegt das Gesehene anhand prägnanter Merkmale in möglichst einfache, bekannte Strukturen. Dabei wird eine einfache Struktur wie z.B. ein Rechteck/Quadrat viel eher als eine Form erkannt, als eine freie Form. Ebenso werden Dreiecke eher als solche wahrgenommen, wenn sie einen Parallelbezug den Bildrändern haben, als frei gedrehte Dreiecke. Dieser Parallelbezug unterstützt auch immer noch die ohnehin schon gegebene Pfeil- bzw. richtungsgebende Wirkung von Dreiecken.

Dieser Beitrag soll euch also Lust darauf machen, mal wieder mit frischen Augen durch die Welt der Motive zu gehen. Achtet mal nicht nur auf das Gesamte, sondern eben auch mal auf die Einzelteile. Stellt euch selbst kleine Aufgaben, trainiert das fotografische Sehen – Achtsamkeit ist nichts anderes… 🙂

Martin

Der Außenseiter der Gestaltungsraster

Während die Drittel-Regel und der Goldene Schnitt den meisten Fotorafiebegeisterten ein Begriff sein dürften, haben die wenigsten von der Dynamischen Symmetrie zuvor gehört. Dabei ist sie mindestens genauso alt wie der Goldene Schnitt (meines Wissens sind die ältesten gefundenen Skizzen aus dem alten Ägypten) und wurde im Laufe der Geschichte von Kunstschaffenden in rund um die Welt benutzt.

Eine erste wissenschaftliche Abhandlung über die Dynamische Symmetrie hat der US amerikanische Künstler Jay Hambidge Anfang des 20. Jahrhunderts veröffentlicht – wo meines Wissens der Name der „Dynamischen Symmetrie“ zum ersten Mal auftauchte. Kurz gefasst kann man auch mit diesem Konzept ein Gestaltungsraster erstellen:

Solltet ihr euch jetzt fragen, was an diesem Raster a) besonders dynamisch und b) besonders symmetrisch sein soll, liegt ihr richtig. Gar nichts. Hambidge hat diesen Namen anscheinend gewählt, weil im alten Griechenland der Begriff der Symmetrie noch nicht die heutige Bedeutung hatte, sondern vielmehr „Ähnlichkeit“ bedeutete.

Sich wiederholende, ähnliche Elemente, aus denen ein Ganzes zusammengesetzt werden kann, wurde in der Antike als göttliche Ordnung begriffen. Denken wir an die Raster, die der Drittelregel, dem Goldenen Schnitt und auch der Fibonacci-Kurve zugrunde liegen und wie wir diese konstruieren können, fällt schnell auf, dass wir uns dabei innerhalb dieser „göttlichen Ordnung“ der alten Griechen bewegen. Die Grundlage geometrischer Elemente zur Ordnung eines Gesamten war und ist bis heute Künstlern aller Epochen vertraut.

Auch bei diesem Gestaltungsraster ist wichtig zu verstehen, dass es sich immer nur auf ein bestimmtes Seitenverhältnis anlegen lässt. Ein Transformieren des ursprünglichen Bildfeldes zieht auch immer ein neues Anlegen dieses Rasters mit sich! In unserem Fall habe ich mich der Konformität halber wieder an unser Goldenes Rechteck mit dem Seitenverhältnis 1:1,618 gehalten.

Wie ihr sehen könnt, beginnt man wieder mit den Bilddiagonalen und fügt dann die sogenannten Gegendiagonalen hinzu – das sind Geraden, die aus den freien Ecken kommen und die Bilddiagonalen im 90°-Winkel schneiden.

Ziehen wir nun wieder horizontale und vertikale Linien durch die Schnittpunkte der jeweiligen Diagonale und ihrer Gegendiagonale, erhalten wir uns Gestaltungsraster der Dynamischen Symmetrie wie oben abgebildet. Dabei fällt auf, dass es der Drittelregel und dem Goldenen Schnitt sehr ähnelt: Die Schnittpunkte liegen bei diesem Seitenverhältnis jedoch weiter außen. Dies ist besonders bei sehr länglichen Bildformaten wie im Kinobereich nützlich, da wir damit ein Raster haben, was die breite Bildfläche besser ausnutzt – ein Grund, weshalb wir dieses Gestaltungsprinzip enorm häufig im Filmbereich antreffen.

Nehmen wir jedoch ein sogenanntes Wurzel-2-Rechteck, also ein Rechteck im Seitenverhältnis 1:1,414 (die bekannten Din-A-Formate), fällt die dynamische Symmetrie exakt mit der Drittelregel zusammen. In unserem Goldenen Rechteck könnten wir ganz einfach den Goldenen Schnitt herstellen, in dem wir zwei Senkrechte in den Punkten ziehen, wo die Gegendiagonalen die Bildränder schneiden. Im Schnittpunkt dieser Senkrechten mit den Diagonalen liegen die Schnittpunkte des Goldenen Schnitts (im Goldenen Rechteck). Und hier dreht sich die Fibonacci-Spirale unendlich klein in den Schnittpunkt der Dynamischen Symmetrie, der im Mittelalter als „Auge Gottes“ bezeichnet wurde.

Ihr seht also, im Prinzip hängen all diese Gestaltungshilfen sehr eng zusammen und ihnen allen gleich ist eine harmonische Aufteilung der Gesamtfläche mit einer Betonung auf außermittige Positionierungen. Im folgenden Bild habe ich euch mal in unserem Goldenen Rechteck alle bisher behandelten Gestaltungshilfen in einem Bild zusammengestellt: Die Dynamische Symmetrie (rot), der Goldene Schnitt (grün), die Fibonacci-Spirale (blau) und die als Vereinfachung gedachte Drittelregel (gelb).

Jetzt kann man natürlich sagen, dass man jedes Bild einem gewissen Raster entspricht, man muss nur genügend Linien darüberlegen – dann passt irgendetwas auf jeden Fall. Wie gezielt man allerdings mit diesen Rastern bzw. auch der Aneinanderreihung bestimmter Raster arbeiten kann, zeigt sehr schön die Analyse eines Bildes von Annie Leibovitz durch Tavis Leaf Glover (sehr empfehlenswert!).

Die Dynamische Symmetrie in der Anwendung

Hier ein paar Bildbeispiele aus dem eigenen Archiv:

Und im Hochformat

Selbstverständlich ist das auch hier im Hochformat möglich. Hier ein paar Beispiele mit Rechtecken im Verhältnis 1:1,25 – das altbekannte und von mir sehr geschätzte 4:5-Format:

Im Seitenverhältnis 2:3, in dem die meisten Kamerasensoren vorliegen, sieht die Dynamische Symmetrie so aus:

Wie ihr in diesem Beitrag hoffentlich sehen könnt, ist das Prinzip der Dynamischen Symmetrie sehr ähnlich zu den bisher bekannten Gestaltungsrastern. Für mich sind die wichtigsten Eigenschaften, die dieses Gestaltungsprinzip für mich so interessant machen, sind in erster Linie eine effektivere Nutzung der Bildfläche sowie sehr nützliche Konstruktionslinien (Diagonalen und Gegendiagonalen), an denen ich Motivlinien entlangführen kann. Das geht naürlich auch mit den Konstruktionlinien des Goldenen Schnittes, aber dieser liefert mir besonders bei mehreren Motivelementen oft eine zu zentrale Bildgestaltung.

Es ist also letztlich immer eine Frage des persönlichen Geschmacks, des Motivs und der gewünschten Bildaussage, für welche Gestaltungshilfe man sich entscheidet. Praktisch sind sie alle und sei es nur als Startpunkt oder als Gestaltungsregel, die man – kennt man sie einmal – auch bewusst brechen kann.

An diesem Punkt hören sehr viele Tutorials zur Bildgestaltung auf, aber es gibt noch so viel mehr: Eine Menge an Kontrasten, mit denen wir arbeiten können, Richtungen, Ebenen, Führungslinien u.v.m.. Wir werden uns in den folgenden Artikeln immer kleine Sektionen herauspicken, erklären und Bildbeispiele mit deren Anwendung zeigen. 

Martin

Ein Hauptproblem der meisten Gestaltungsraster

Inzwischen haben wir die Gestaltungsraster der Drittelregel und des Goldenen Schnitts kennengelernt, bei denen wir unser Bildfeld durch horizontale und vertikale Linien gliedern können, auf denen anschließend Motivlinien oder bildwichtige Elemente positioniert werden können.

Diese einfachen Raster zeigen also nur horizontale und vertikale Linien. Und auch wenn wir uns mit Richtungen und Linien erstnoch später in dieser Blogreihe beschäftigen werden, kann so viel schon gesagt werden: Alle Linien, die die Ränder unseres Bildfeldes im rechten Winkel schneiden, werden als recht stativ empfunden. Dies kann für bestimmte Motive natürlich hervorragend, für andere Motiv jedoch völlig unpassend sein.

Die sogenannte Fibonacci-Spirale bietet uns hierbei einen anderen Ansatz. Anstatt uns Linien zu bieten, die parallel zu den Bildrändern sind, beschreibt sie eine Spirale! Nun können wir also Bögen entlang diesesr Gestaltungshilfe positionieren oder bildwichtige Elemente entlang dieser Bögen anordnen.

Aber wieso eigentlich „Fibonacci“ und wieso soll diese Spirale nützlich sein? Leonardo Fibonacci (1170 – 1240) lebte in Pisa und gilt heute als einer der bedeutensten Mathematiker des Mittelalters. Nichtmathematikern ist er jedoch höchstens aus Dan Browns „Sakrileg“ bekannt, in dem die sogenannte „Fibonacci-Reihe“ genannt wird. Fibonacci stieß 1202 auf diese Zahlenreihe, als er das Wachstum einer Kaninchenpopulation beschrieb. Diese Reihe beginnt mit 0 und 1 und besagt, dass wenn man jeweils die beiden vorhergehenden Zahlen addiert, man die darauf folgende erhält:

Nun sind wir immer noch nicht schlauer, was uns das im Bezug auf die Bildgestaltung helfen soll. Aber Forschungen haben ergeben, dass viele Wachstumsverhältnisse in der Natur einer ähnlichen Reihung folgen. Und wenn wir mal die beiden Zahlen, die die folgende ergeben, dividieren, nähern wir uns sehr schnell einer bereits bekannten Zahl an: 1,618 (z.B. 55/34=1,6176). Aufmerksame Leser des Blogs sollten nun bemerken, dass es sich hierbei um den Goldenen Schnitt handelt – und somit haben wir den ersten Bezug zur Bildgestaltung! Wenn man die oben gezeigte Zahlenreihe als Quadrate mit der jeweiligen Kantenlänge darstellt, kann man ein Gestaltungsraster entwerfen, das Parallelen mit dem Goldenen Schnitt aufweist:

Die zwei Linien, die die gesamte Bildfläche schneiden, sind die rechte und untere Gestaltungslinie unseres Goldenen-Schnitt-Rasters. Super – aber wieder nur Linien, die die Bildränder im rechten Winkel schneiden und somit als statisch empfunden werden.

Zieht man nun allerdings in jedem Quadrat einen Viertelkreis und verbindet diese, erhalten wir die oben gezeigte Spirale, die sich theoretisch immer weiter fortführt.

Konstruieren kann man dieses Raster auch, ähnlich dem Goldenen Schnitt. Man zieht zunächst eine Diagonale und zieht anschließend eine Schräge aus der leeren Ecke, die die Diagonale im rechten Winkel schneidet (eine sogenannte Gegendiagonale). Wo diese Linie den Bildrand trifft, ziehen wir Vertikale – voilà, unsere rechte Teilungslinie des Goldenen Schnitts. Nun haben wir ein neues Rechteck erhalten, in dem wir genau gleich verfahren können. Eine Diagonale haben wir ja bereits, also noch eine Linie aus der Ecke, die sie im rechten Winkel schneidet. Wo sie auf den Bildrand trifft, entsteht die nächste Rasterlinie usw.

Die Fibonacci-Spirale in Anwendung:

Wie bereits gesagt, können nun Elemente entlang der Kurve angeordnet oder auch im Zentrum der Spirale positioniert werden.

Wie alle Gestaltungsraster kann man die Fibonacci-Spirale natürlich auch im Hochformat anwenden:

Wer sich jetzt wundert, dass das Raster, was ich über diese Bilder überlagert habe, nicht das gesamte Bildfeld ausfüllt: Ich habe mich bei der Überlagerung an die korrekte Spirale mit einem Seitenverhältnis von 1:1,618 gehalten und diese über diese 2:3-Bilder gelegt. Wer sich die Spirale in Lightroom als Freistellungsüberlagerung anzeigen lässt, erhält die auf die jeweilige Bildfläche transformierte Variante der Spirale. Solltet ihr die Fibonacci-Spirale als Freistellungsüberlagerung in Lightroom nicht sehen, könnt ihr die Überlagerung mit der Taste „o“ durchschalten bzw. mit „cmd+o“ drehen.

Auch wenn die Fibonacci-Spirale einige Überlappung mit dem Goldenen Schnitt hat, erlaubt sie uns doch auch eine viel dynamischere Komposition entlang der Kurve. Wenn wir unser Hauptmotiv oder Fokuszone in das Zentrum der Spirale legen, schieben wir unser Motiv weiter aus der Bildmitte heraus, als dies im Goldenen Schnitt der Fall wäre. Das kann hervorragend sein, um die Bildfläche besser auszunutzen, kann aber auch schneller zu unausgewogenen Kompositionen führen, wenn der gesamte Bildinhalt nur in der Spirale sitzt. Probiert es einfach aus!

Martin

Alle haben von ihm gehört – wenige kennen ihn

Wahrscheinlich haben die meisten von uns den Begriff des Goldenen Schnitts schon einmal gehört. Sei es in der eigenen Schullaufbahn oder im Zuge unseres Hobbys, der Fotografie. In vielen Kursen und meinem Berufsschulunterricht habe ich aber immer wieder bemerkt, dass dennoch die meisten Leute nicht wirklich genau wissen, was es damit auf sich hat.

Viele kennen den Goldenen Schnitt nur als Gestaltungsraster, sehr ähnlich unserer bereits kennengelernten Drittelregel. Auf die Frage aber, woher der Name Goldener „Schnitt“ kommt, bekomme ich normalerweise kaum eine Antwort…

Dieser Goldene „Schnitt“ deutet auf eine Verhältniszahl hin – eine Verhältnis zwischen zwei Dingen, das als besonders schön und harmonisch empfunden wird. Warum? Darüber streiten sich die Geister, aber Fakt ist, dass dieses Verhältnis (zumindest annähernd) enorm häufig in der Natur vorkommt. Ich persönlich schätze, dass wir genau deshalb dieses Verhältnis mögen, weil wir es so oft sehen und sich das Auge daran gewöhnt hat.

Wir finden diesen Goldenen Schnitt bzw. diese Verhältniszahl angenähert z.B. in Sonnenblumen, Efeublättern, im Steigungsverhältnis von Schneckenhäusern oder unseren menschlichen Proportionen (siehe da Vincis „Mann von Vitruv„): Kinn bis Auge im Verhältis zu Auge zu Oberkante Kopf, Füße bis Bauchnabel im Verhältnis zu Bauchnabel bis Oberkante Kopf usw….

In Zahlen ausgedrückt ist dieses Verhältnis 1:1,618. So können wir z.B. ein als harmonisch empfundenes Seitenverhältnis berechnen: Die lange Seite des Rechtecks muss also um das 1,618fache länger sein als die kurze Seite. Wenn wir an das fast schon übliche 2:3-Seitenverhältnis der meisten Kamerasensoren denken, liegen wir da schon ziemlich nahe dran: 1:1,5. Der klassische 10×15-Abzug: 1:1,5. Meist wird der Goldene Schnitt in der Fotografie jedoch benutzt, um ein Gestaltungsraster ähnlich der Drittelregel anzulegen.

Man teilt jede Seite unseres rechteckigen Sensors in zwei Teilstrecken, bei denen sich die längere zur kürzeren verhält, wie die Gesamtstrecke zur längeren: b:a = (a+b):b. Keine Sorge, es ist zwar eine mathematische Formel, aber bitte noch nicht gleich wegrennen…

Für alle, die wie ich kein wirkliches Faible für Mathematik haben, kann man den Goldenen Schnitt auch noch geometrisch konstruieren, was noch weitere Gestaltungshilfen bietet. Man legt zunächst zwei Diagonalen an, dann aus jeder Ecke eine 45°-Gerade. In den Schnittpunkten der Diagonalen und der 45°-Geraden liegen auch die Schnittpunkte des Goldenen Schnitts. In späteren Beiträgen werden wir uns noch mehr um diese Konstruktionslinien kümmern – also nicht gleich wieder vergessen. 🙂

Der Vorteil der Konstruktion zeigt uns außer den horizontalen und vertikalen Teilungslinien nun auch noch die Diagonalen und 45°-Geraden, an denen ebenfalls Motivlinien ausgerichtet werden können.

Und wer es sich ganz einfach machen möchte, kann sich die Drittelregel vorstellen und dann das mittlere Rechteck etwas verkleinern, so dass die alle Teilungslinien etwas in Richtung Bildmitte rutschen. Nicht genau, aber einfach…

Der Goldene Schnitt in Anwendung

Genau wie bei der Drittelregel können nun entweder Motivlinien entlang des Gestaltungsrasters positioniert oder bildwichtige Punkte auf die Schnittpunkte der Gestaltungslinien gelegt werden.

Selbstverständlich geht das auch im Hochformat:

Arbeitet man mit einem Seitenverhältnis, das nicht 2:3 ist, muss man das Raster natürlich dem jeweiligen Seitenverhältnis anpassen:

Wirklich exakt ist dieses Gestaltungsraster – wie auch die kommenden – nur für ein bestimmtes Seitenverhältnis anzulegen. Wählen wir nachträglich einen anderen Zuschnitt, reicht es nicht, das Raster einfach zu transformieren – es muss erneut angelegt werden.

Als Gestaltungsraster bietet der Goldene Schnitt genau wie die Drittelregel eine sehr einfache Gestaltungshilfe, die allerdings auch schnell zu viel werden kann. Komponiert man seine Bilder NUR anhand dieses Rasters, kehrt schnell Eintönigkeit ein. Daher ist es absolut sinnvoll, sich auch noch mit weiteren Gestaltungshilfen und vor allem den vielen vorhandenen Gestaltungsmitteln auseinanderzusetzen.

Wie man ein Hauptproblem der hier gezeigten Anwendung des Goldenen Schnitts umgehen kann, zeige ich euch im nächsten Beitrag dieser Gestaltungsreihe.

Martin

Die Drittelregel

Das einfachste Gestaltungsraster entsteht, wenn man das Bildfeld in drei gleichgroße Teile untergliedert – vertikal wie horizontal. So entsteht ein Gitternetz aus zwei senkrechten und zwei horzintalen Linien:

Anwendung:

Der Vorteil der Drittelregel gegenüber anderer Gestaltungsraster liegt darin, dass sich wohl jeder eine Drittellung der Bildfläche vorstellen kann, ohne zum Taschenrechner oder Geodreieck greifen zu müssen. Also selbst, wenn die verwendete Kamera kein Drittelraster einblenden kann (was aber heute die meisten Kameras können), kann man sich dieses Raster problemlos vorstellen.

Haben wir also nun die oben gezeigte Abbildung in der Kamera eingeblendet oder ansonsten vorgestellt vor Augen, können sich im Bild befindliche Linien entlang dieses Raster positioniert werden.

Dabei müssen die Linien nicht vollständig durchgezogen sein, sie können auch zwischen zwei Punkten gedacht sein (siehe Gesetz der Geschlossenheit). Auch müssen natürlich nicht alle Gestaltungslinien mit Motivlinien belegt werden – es kann auch nur z.B. eine oder zwei Linien auf dem Raster positioniert werden.

Man muss aber nicht zwangsläufig nach Linien in der eigenen Bildkomposition Ausschau halten. Manchmal kann es auch reichen, den bzw. die bildwichtigen Punkte auf Schnittlinien des Gestaltungsrasters zu legen.

Wie diese Beispiele zeigen, ist es wirklich sehr einfach, sich das Drittel-Raster vorzustellen und auf dessen Linien bzw. Schnittpunkten Motivelemente zu positionieren. Es lohnt sich, sich immer wieder dieses bzw. im Laufe dieser Blogreihe noch folgenden Gestaltungsraster vorzustellen und gezielt einzusetzen. Je öfter man sich diese Raster einblendet bzw. vorstellt, desto schneller verinnerlicht man diese. Das geht übrigens auch hervorragend ohne Kamera – achtet einfach mal darauf! Hier noch ein paar weitere Bildbeispiele:

Im nächsten Beitrag nehmen wir uns das Gestaltungsraster vor, aus dem die Drittel-Regel entstanden ist. Schaut wieder rein!

Martin

Darin sollen natürlich die klassischen Gestaltungshilfen wie der Goldene Schnitt, die Drittel-Regel und auch die Fibonacci-Spirale behandelt werden, allerdings auch einfache Praxisübungen mit Gestaltungsmitteln und unbekannteren Gestaltungsrastern, wie der dynamischen Symmetrie.

Gestaltpsychologie

Jegliche Bildgestaltung fußt auf darauf, wie wir optische Reize aufnehmen und verarbeiten. Anfang des 20. Jahrhunderts entstand in Deutschland das neue Feld der Gestaltpsychologie, das sich genau damit beschäftigt. Wohl die wichtigste Aussage dieses Feldes ist, dass „das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile“. Einer ihrer Hauptbegründer, Max Wertheimer, formulierte in den 1920er Jahren „Faktoren“ der Wahrnehmung, die sich heute als sogenannte Gestaltgesetze etabliert haben. Wertheimer formulierte nur sechs, heutzutage findet man je nach Publikation bis zu über 100. Diese kann ich hier unmöglich vorstellen, daher möchte ich hier nur einige exemplarisch umreißen:

Figur-Grund-Gesetz:

Das in meinen Augen wichtigste Gestaltgesetzt, auf der fast jegliche Bildgestaltung aufbaut: die Frage nach unserem Motiv. Jedem Fotografierenden sollte vor dem Drücken des Auslösers bewusst sein, was ihn gerade dazu bewegt, genau diesen Bildausschnitt zu fotografieren. Irgendetwas hat uns getriggert, die Kamera aus dem Rucksack zu nehmen, die Belichtung korrekt einzustellen und in diese Richtung zu richten. Was genau das ist in vielen Fällen unser Motiv.Wenn wir uns dessen im Klaren sind, ist schon viel gewonnen, aber wir müssen es auch dem Betrachter verständlich machen. Und hier kommt die Figur-Grund-Beziehung ins Spiel. Damit wir zwischen unserem Motiv (der Figur) und dem (Hinter-)Grund unterscheiden können, brauchen wir genügend Kontrast jedweder Art: Farbkontrast, Hell-Dunkel-Kontrast, Schärfe-Kontrast (Schärfentiefe), Größenkontrast, Kalt-Warm-Kontrast, Mengenkontrast und und und – wir brauchen Kontrast. Dabei gilt, dass wir geschlossene und uns bekannte Formen eher als Motiv (Figur) wahrnehmen als unbekannte, freie Formen.Die erste Frage vor dem Fotografieren sollte also stets lauten: Was hat mich bewegt, die Kamera auszupacken und in diese Richtung zu richten? Wenn ich mir selbst dies beantworten kann, dann kommt die Frage, wie ich das dem Betrachter klar mache. Für den Anfang lohnt sich hier ein möglichst einfacher Ansatz: Reduktion. Nahe ran gehen, alles aus dem Bildfeld entfernen, was nicht der Bildaussage dient. Hilft es der Bildaussage? Integrieren. Stört es die Bildaussage nicht? Weg damit. Oder stört es sogar die Bildaussage? Erst recht weg damit.

Gesetz der Nähe:

Nahe zusammenliegende Elemente werden auch inhaltlich zussamengehörend, als Einheit bzw. als Gruppe wahrgenommen, während voneinander entfernt positionierte Elemente als eigenständig, unabhängig von einander interpretiert werden. Sehr einfach lässt sich das an unserer Schrift erkennen: Einzelne Worte werden dadurch von uns erkannt, dass ihre Buchstaben enger aneinander gruppiert sind. versuchteinmaleinentextzulesenderkeineleerzeichenodersatzzeichenundkeinegroßkleinschreibungaufweistgehtabernurmitvielaufwand! Gruppiert ist es schon viel einfacher…

Gesetz der Prägnanz (Gute Gestalt):

Das Gehirn bevorzugt einfache, symmetrische Formen. Einfachheit und Klarheit in der Komposition führen also dazu, dass das Bild leichter verstanden und in Erinnerung behalten wird. Durch die Reduktion auf wesentliche Elemente kann der/die Fotograf*in die Aussagekraft eines Bildes steigern. Die Hauptaufgabe dabei besteht darin, einen guten Mix aus Prägnanz und nötiger visueller Anziehungskraft zu erhalten.

Gesetz der Geschlossenheit:

Unser Gehirn ergänzt Elemente, um geschlossene Formen zu bilden. Dadurch kann es zusammengehörige Elemente als Eines erkennen oder aber auch Unvollständiges zu einem Ganzen ergänzen. So kann z.B. nur die Fackel der Freiheitsstatue gezeigt werden und uns ist deenoch klar, was gemeint ist. Ein anderes Beispiel ist die unten abgebildete Lineart-Zeichnung. Obwohl wir nur einzelne Linien sehen, ist unser Gehirn problemlos in der Lage die Leerstellen durch bereits Bekanntes zu füllen.

Gesetz der Ähnlichkeit:

Elemente, die einander in Größe, Form oder Farbe ähneln, werden als inhaltlich zusammengehörig, als Einheit oder Gruppe wahrgenommen.

Bildgestaltung ist so viel mehr als die bloße Anwendung von irgendwelchen Gestaltungsrastern. Wir müssen verstehen, wie wir wahrnehmen und welche Effekte unsere Wahrnehmung beeinflussen. Erst dann kann gezielt gestaltet werden. Eine enorm hilfreiche Übung dazu war mein letztjähriges 365-Tage-Projekt – mehr dazu findet ihr hier.

Martin

Zwischenstand

Mein 365-Projekt ist so geplant, dass jeden Tag ein Bild erstellt werden muss, dass zu einem monatlich wechselnden Thema passt. Die ersten drei Themen des Jahres waren „Schattenspiele“ (Januar), „Spiegelungen/Reflexionen“ (Februar) und „Monochromien/Qualitätskontrast“ (März).

Die Bilder können mit welcher Kamera auch immer festgehalten werden: Handy, spiegellose Systemkamera, Spiegelreflexkamera, Kompakt- oder Bridgekamera, analog – whatever! Hauptsache, ich setze mich mit dem Thema auseinander, fokussiere mich nur auf dieses (ja, das hat sehr arg etwas mit Achtsamkeit zu tun) und gehe mit offenen Augen durch‘s Leben. Veröffentlichen tue ich diese gemachten Aufnahmen auf einem dafür eigens angelegten Instagram-Account (@traintosee) und auf einer kleinen Galerie-Website, die auf meiner Website eingebunden ist. Und wer weiß, vielleicht gibt es ja auch eine Ausstellung am Ende des Jahres, wo auf einzelnen Tableaus die jeweiligen Monate zusammen ausgestellt werden? Mal sehen…

Erstes Feedback

Die Monatsthemen werden per Zufallsprinzip gezogen. Das erste war „Schattenspiele“, welches mir recht leicht viel. Jedoch auch hier – wie vermutlich bei allen noch folgenden Themen – gab es Bilder, die eher banal ausfielen und es gab Tage, in denen ich mit der Kamera durch die Wohnung gestreift bin und etwas demotiviert nach Schattenwürfen gesucht habe. Bei „Reflexionen/Spiegelungen“ und „Monochromien“war das nicht anders. Am schwierigsten fiel mir bisher „Reflexionen/Spiegelungen“, da ich hier zunächst einfach Reflexionen fotografierte, der Reflexion wegen – das Motiv war schlichtweg für die Tonne. 🙂 Hier also ein Motiv zu finden, das zum Thema passt und nicht nur das Thema darstellt, fiel mir recht schwer. Monochromien bzw. der Qualitätskontrast, also primär verschiedene Schattierungen eines einzelnen Farbtons, hingegen lief wieder etwas entspannter. Aber genug Text, hier kommt ein Auszug der Bilder:

Januar: Schattenspiele

Februar: Reflexionen / Spiegelungen

März: Monochromien

Im gerade laufenden Monat April geht es um Bilder mit unscharfem Vordergrund. Auch mal wieder etwas, mach mich dazu zwingt, mir gestalterisch wieder in den Hintern zu treten und nach Neuem zu suchen.

Was haltet ihr von solch einem 365-Projekt? Denkt ihr, es fördert die Kreativität oder schränkt es sie durch das vorgebene Thema zu sehr ein? Ich bin gespannt auf eure Meinungen!

Martin

Wie wir bereits gelernt haben, regelt der Verschluss die Verschlusszeit aka. Belichtungszeit eines Fotos und ist damit elementarer Bestandteil einer jeden Kamera. Prinzipiell kommen heute (2022) drei Arten von Verschlüssen zum Einsatz, die teilweise auch kombinierbar sind. Alle drei haben unterschiedliche Vor- und Nachteile und somit auch verschiedene Einsatzzwecke.

Der Schlitzverschluss

Der heute am weitesten verbreitete Verschluss bei Kameras mit Wechselobjektiven ist der mechanische Schlitzverschluss (engl. focal plane shutter), der direkt vor dem Sensor / Film sitzt. Bei Kameras mit fest verbautem Objektiv wird er hingegen oft nicht verbaut.
Er besteht aus zwei Lamellenvorhängen, die man sich wie einen Rollladen vorstellen kann: Der erste Rolladen (aka Verschlussvorhang) öffnet den Verschluss (meist von oben nach unten), so dass Licht auf den Sensor bzw. den Film trifft. Der zweite Verschlussvorhang schließt ihn wieder, ebenfalls von oben nach unten. Ist der Verschluss wieder komplett zu, also beide Rolläden am unteren Bildrand, dann werden beide Vorhänge wieder in die Ausgangsposition zurück gebracht. Mit jedem Auslösen öffnet also ein Vorhang den Sensor und ein zweiter Vorhang verschließt ihn wieder, dann werden beide in die Ausgangsposition zurück gebracht.

Bei spiegellosen Systemkameras läuft es etwas komplizierter ab, da der Sensor ja bereits offenliegt. Daher muss der Verschluss zuerst geschlossen und damit für die Aufnahme vorbereitet werden, bevor der Vorgang wie oben beschrieben ablaufen kann, um abschließend wieder geöffnet zu werden (in diesem Youtube-Video ist dies ab Sek. 10 bis Sek. 30 recht gut verdeutlicht).

Um sehr kurze Verschlusszeiten realisieren zu können, kann der zweite Verschlussvorhang bereits sehr kurz nach dem ersten ablaufen, wodurch immer nur ein dünner Schlitz geöffnet über den Sensor läuft, siehe Bild unten (Quelle: Leica Camera AG). Wiederum ein gutes Beispiel, wie dies abläuft, findet man in diesem Youtube-Video. So können derzeit Belichtungszeiten von bis zu 1/8000s realisiert werden. Mit jeder Auslösung müssen also beide Verschlussvorhänge auf eine sehr hohe Geschwindigkeit beschleunigt und praktisch sofort wieder abgebremst werden, was natürlich zu Erschütterungen führen kann.

Gesteuert werden diese Verschlussbewegungen klassisch durch eine Federspannung und seit ein paar Jahren auch elektromagnetisch (Vorreiter war hier Panasonic 2016 mit der Lumix GX-80), was die Erschütterung durch die mechanischen Bauteile und die daraus reslutierenden Geräusche und Unschärfen etwas reduziert. Der elektromagnetische Verschluss ist außerdem einfacher und kompakter zu konstruieren, was besonders den kleineren, spiegellosen Systemkameras zugute kommt.

Der Schlitzverschluss ist eines der am meist beanspruchten Bauteile einer Kamera und somit auch nur auf eine bestimmte Zahl an Auslösungen ausgelegt. Auf wie viele genau, findem man im Datenblatt der jeweiligen Kamera bzw. beim Hersteller direkt. Man kann Verschlüsse zwar austauschen lassen, ist der Verschluss jedoch erst einmal kaputt, handelt es sich oft um einen wirtschaftlichen Totalschaden.

Der Zentralverschluss

Auch der Zentralverschluss (engl. leaf shutter) arbeitet rein mechanisch, allerdings unterscheidet er sich in Lage und Funktionsweise vom Schlitzverschluss erheblich. Er befindet sich entweder im Innern des Objektivs oder zwischen Objektiv und Kameragehäuse und nicht im Kameragehäuse. Aufgrund des mechanischen Aufwands steigen Preis, Größe und Gewicht der Objektive, die mit Zentralverschlüssen ausgestattet sind.

Meist kommt er bei Mittel- und Großformatobjektiven zum Einsatz, jedoch findet eine Unterart (der sogenannte Blatt- oder Guillotinenverschluss) auch bei Kompaktkameras mit fest verbautem Objektiv Verwendung – zum Beispiel bei meiner heißgeliebten Fujifilm X100V. Bei alten, analogen Kleinbildkameras wurde er jedoch auch hier und da verbaut.

Zentralverschlüsse arbeiten sehr leise und vor allem nahezu vibrationsfrei. Da sie sich aber immer komplett öffnen müssen, erlauben sie eine maximale Verschlusszeit von 1/4.000 Sekunde, meist sogar nur weit darunter.

Klassische Zentralverschlüsse öffnen sich aus der Mitte heraus, Blatt- oder Guillotinenverschlüsse werden eher scherenförmig in den Strahlengang eingeschwenkt. Da Zentralverschlüsse im Strahlengang des Objektivs sitzen, gibt es also nicht wie bei Schlitzverschlüssen einen teilweise geöffneten Verschluss, sondern lediglich offen oder geschlossen, denn sobald der Verschluss sich nur ein wenig öffnet, gelant Licht bereits auf den Sensor (wie auch eine kleine Blendenöffnung den Sensor genauso voll ausleuchtet wie eine große).

Der VerschlussQuelle: Hasselblad

Der elektronische Verschluss

Seit Aufkommen digitaler Kameras kam schließlich noch der elektronische Verschluss (engl. electronic shutter) hinzu, der komplett ohne bewegliche Teile auskommt. Allerdings ist der Begriff etwas irreführend, da hier eigentlich nichts verschlossen wird: Der „erste elektronische Verschlussvorhang” setzt die Ladung der Pixel elektronisch zurück auf Null. Während der Belichtung steigt dann die Ladung jedes einzelnen Pixels bis zum Ende der Belichtung an. Der „zweite elektronische Verschlussvorhang” wandelt diese gespeicherten Ladungen in eine Spannung um und digitalisiert sie. Vereinfacht gesagt: Der elektronische Verschluss schaltet die Belichtung ein und wieder aus.

Ein elektronischer Verschluss ist somit völlig lautlos und eignet sich daher natürlich für Situationen, in denen der Fotograf nicht auffallen darf (klassische Konzerte, Theater, Reden, Dreharbeiten, Kirchen…). Da er keine beweglichen Teile besitzt, können auch sehr kurze Belichtungszeiten von bis zu 1/32.000s (Stand 2021) und enorm hohe Serienbildgeschwindigkeiten realisiert werden.

Elektronische Verschlüsse von derzeitigen (2021) CMOS-Kamerasensoren laufen zeilenweise ab, d.h. es wird praktisch Zeile für Zeile belichtet und sofort auch ausgelesen. Das bringt mehrere Probleme mit sich: Sich schnell bewegende Motive oder Mitzieher erscheinen verzerrt (rolling shutter, vgl. Youtube), weil verschiedene Teile des Motivs zu unterschiedlichen Zeiten belichtet werden, flackernde Lichtquellen (wie z.B. einfache Gasentladungslampen) und gepulste LEDs erzeugen unschöne Streifenmuster und ungleichmäßige Belichtungen. Dazu kommt, dass manche Hersteller den Dynamikumfang und damit die Datenmenge reduzieren, um die Zeilen schneller auslesen zu können (z.B. von 14-bit auf 12-bit) und es somit zu Qualitätseinbußen kommen kann.

Rolling Shutter Effect – Quelle: www.dpreview.com

unschöne Streifebildung bei gepulsten Lichtquellen und elektronischem Verschluss (links)

Wenn die Bedingungen jedoch passen, kann ein elektronischer Verschluss eine hervorragende Lösung sein, aber ein vollständiger Ersatz für mechanische  Verschlüsse ist er momentan noch nicht. Verschiedene Hersteller arbeiten mit Hochdruck an der Entwicklung von CMOS-Sensoren mit einem sogenannten „globalen elektronischen Verschluss“, der alle Pixel gleichzeitig belichtet und somit den mechanischen Verschluss ersetzen könnte.

(Nebenbei bemerkt: Leistungsschwächere Kameras mit CCD-Sensoren hatten schon vor vielen Jahren einen globalen elektronischen Verschluss; das Problem besteht darin, diese Technik mit der qualitativ hochwertigeren CMOS-Technologie zu verbinden.)

Die Kombination von elektronischem und mechanischem Verschluss

Wie wir gesehen haben, ist ein Nachteil von mechanischen (besonders Schlitz-) Verschlüssen die Erschütterung, wenn der erste Verschlussvorhang wieder angebremst wird, die zu leichten Unschärfen führen kann. Um dies zu umgehen, erlauben viele Kameras inzwischen auch eine Kombination von elektronischem und mechanischem Verschluss: elektronischer erster und mechanischer zweiter Verschlussvorhang: Die Belichtung wird gestartet, indem die Sensorpixel Zeile für Zeile elektronisch auf Null gesetzt werden. Der mechanische Schlitzverschlussvorhang folgt dem elektronischen und wenn er den Sensor vollständig geschlossen hat, wird dieser ausgelesen, dann öffnet sich der Verschluss wieder, damit der Sensor ein Bild liefern kann.

Fazit: Ohne einen mechanischen ersten Verschlussvorhang gibt es keine Vibrationen und damit keine Beeinträchtigung der Schärfe; der zweite Verschlussvorhang erschüttert das Kameragehäuse zwar nach wie vor, das aber erst, nachdem die Belichtung bereits beendet ist. Artefakte sind nicht zu erwarten, denn dieser hybride Verschluss ist ebenso schnell wie ein rein mechanischer Verschluss. Diese Kombination ist allerdings nicht viel leiser und die kürzeste Belichtungszeit entspricht auch der des mechanischen Verschlusses.

Wie es mit den verschliedenen Verschlusstypen im Zusammenhang mit Blitzlicht aussieht, werden wir in einem der kommenden Beiträge behandeln. Schaut also wieder rein!

Bei all den technologisch so hochgerüsteten neuen Kameramodellen vergisst man recht schnell jedoch, dass eine Kamera letztendlich nur eines können sollte: die Belichtung nach unseren Wünschen korrekt einzustellen. D.h. ein Grundverständnis dafür, welche Einstellmöglichkeiten an einer Kamera die Helligkeit unseres Fotos beeinflussen, ist das Wichtigste, was Fotobegeisterte sich aneignen sollten! Das gute ist, dass das sehr einfach ist… Denn es gibt gerade mal drei (3!) Faktoren, die unsere Belichtung steuern – mehr nicht!

Diese drei Faktoren heißen Verschlusszeit (aka Belichtungszeit), Blende und ISO-Empfindlichkeit. Vereinfacht kann man zusammenfassen, dass

• die Verschlusszeit bestimmt, wie lange Licht in die Kamera gelassen wird,
• die Blende bestimmt, wie viel Licht in die Kamera gelassen wird und
• die ISO-Empfindlichkeit bestimmt, wie viel Licht die Kamera überhaupt für eine korrekte Belichtung benötigt.

Die Verschlusszeit

In Spiegelreflexkameras und heutigen spiegellosen Systemkameras ist genau wie zu analogen Zeiten ein sogenannter Verschluss verbaut. Ein Rollladensystem, dass zunächst geschlossen ist und sich mit Drücken des Auslösers öffnet und somit Licht auf den Sensor/den Film fallen lässt. Dabei öffnet sich ein Rollladenvorhang von oben nach unten und am Ende der Belichtung fährt ein zweiter Vorhang ebenfalls von oben nach unten und schließt die Öffnung wieder. Wer sich noch an analoge Kameras erinnern kann, bei denen man den Film nach jeder Aufnahme weiterkurbeln musste – während diesem Schritt hat man auch gleichzeitig die beiden Verschlussvorhänge wieder in ihre Ausgangsposition gebracht. Bei spiegellosen Systemkameras ist dies etwas komplizierter, da hier der Verschluss von Anfang an offen sein muss, denn sonst würden wir nichts sehen, das Prinzip ist aber das gleiche. Wichtig ist mir hierbei, dass klar wird: Rollladen zu, kein Licht auf den Sensor. Auslöser wird gedrückt, erster Vorhang öffnet sich und lässt Licht hinein und am Ende der Belichtung verschließt ein zweiter Vorhang den Sensor wieder. Wie lange Licht dabei auf den Sensor trifft, nennt sich Verschlusszeit oder auch Belichtungszeit. Hierbei ist wohl recht einleuchtend, dass je länger wir Licht in die Kamera fließen lassen, das Bild immer heller und heller wird.

Wer es sich lieber animiert ansehen möchte, findet auf Youtube viele Filmchen, die den Verschluss zeigen oder auf der Wikipedia-Seite zum sogenannten „Schlitzverschluss“ (dazu später mehr) eine einfache Animation:
https://de.wikipedia.org/wiki/Schlitzverschluss#/media/Datei:SchlitzVerschluss_Ani.gif

Die Blende

Die Blende hat streng genommen nichts mit der Kamera zu tun, auch wenn sie heute meist von ihr gesteuert wird. Der Einfachheit halber kann man die Blende mit der Iris im Auge vergleichen. Bei hellen Umgebungsbedingungen zieht sie sich zusammen und lässt somit weniger Licht hindurch. Gehen wir hingegen aus der Sonne z.B. in einen Innenraum, öffnet sie sich wieder, um mehr Licht durch die nun größere Öffnung hindurchzulassen. Die Blende steuert also, wie groß die wirklich messbare Öffnung in unseren Objektiven ist – ist sie groß, gelangt viel Licht auf’s Mal in die Kamera, ist die Öffnung nur ein winziges Nadelör, gelangt sehr wenig Licht hindurch.

Die ISO-Empfindlichkeit

Die Empfindlichkeit unseres Kamerasensors gibt schließlich vor, wie viel Licht überhaupt für eine korrekte Belichtung benötigt wird. Während wir zu analogen Zeiten die Filmempfindlichkeit rein über das Einlegen eines entsprechenden Filmes ändern konnten, erlauben uns heutige Digitalkameras für jede Aufnahme einen anderen ISO-Wert zu wählen! Wie nützlich dies im Alltag ist, kann man gar nicht genug unterstreichen…

Ein Vergleich aus dem Alltag

Jetzt haben wir den technischen Hintergrund kurz umrissen, jedoch vermutlich bei vielen erstmal für mehr Verwirrung als Klärung gesorgt. Daher möchte ich ein Beispiel aus dem Alltag heranziehen, das wir alle kennen: Wir füllen ein Glas mit Leitungswasser. Hierbei ist meist das Ziel, das Glas wirklich voll zu bekommen. Das Gleiche gilt für unsere Belichtung – stellen wir uns vor, dass wir den Sensor „voll mit Licht“ bekommen müssen.

Wie lange wir das Wasser dafür laufen lassen müssen, entspricht unserer Belichtungszeit. Vereinfacht: Wie lange dauert es, bis das „Gefäß“ gefüllt ist?
Drehe ich den Wasserhahn nun bis zum Anschlag auf, ist das Glas ruckzuck voll, ich muss also nur kurz laufen lassen. Öffne ich die Blende also sehr weit, so dass viel Licht durch die große Öffnung fällt, kommt auch sehr schnell viel Licht in der Kamera an – ich kann eine kurze Verschlusszeit realisieren. Vereinfacht: Wie viel lasse ich auf’s Mal in das „Gefäß“?
Der dritte Wert, die ISO-Empfindlichkeit, entspricht in unserem Wasserglas-Beispiel der Glasgröße: Ein Schnapsgläschen ist schneller gefüllt, als ein 5-Liter-Eimer. Je höher wir den ISO-Wert in der Kamera setzen, desto weniger Licht braucht der Sensor – desto kleiner ist das Glas, das wir füllen möchten. Vereinfacht: Wie viel passt ins „Gefäß“?

Halten wir uns dieses Alltagsbeispiel vor Augen, wird klar, dass sich unsere drei Einstellmöglichkeiten gegenseitig bedingen:
Ist das Gefäß klein, ist es auch schnell gefüllt. (Ist der ISO-Wert hoch, kann ich kürzer belichten.)
Lasse ich wenig Wasser auf’s Mal ins Glas, muss ich das Wasser lange laufen lassen. (Ist die Blende weit geschlossen, muss ich länger belichten.)

Mit einem Grundverständnis dafür, wie diese drei Einstellungen zusammen arbeiten, kann ich letztendlich jede Kamera bedienen, die mir in die Hände fällt. Egal ob topmodernes Hightech-Gerät oder ein Holzkasten aus den 1880er-Jahren (die Größe des Bohrlochs im Holzkasten ist die Blende und wie lange ich den Hut vor dieser Öffnung wegnehme um Licht hineinzulassen, ist die Verschlusszeit – das einglegte Filmmaterial bestimmt die ISO-Empfindlichkeit)… Fotografie kann so einfach sein! 😉

In einem der nächsten Blogs schauen wir uns diese drei Einstellungen genauer an. Schaut also wieder rein – denn es werden im Blog jetzt zunehmend auch Inhalte mit technischen Grundlagen erscheinen!